音乐常识
[size=5][b]什么是 R&B？[/b][/size]R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。 广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少
R&B成分。
[size=5][b]什么是HOUSE？[/b][/size]
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐， 他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈， 很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素， 至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。 为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的. Cher唱的Believe就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐.
House可分为：
Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐
Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的. 像Real Mecoy,
M-People, La Bouche都是Garage团体.
Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House.
Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一点像"演奏类"的House乐. 像SASH!的专辑It''s My Life便是很好的Progressive
House专辑.
Epic House 就是"史诗"House. Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势,
很少会有vocal在里面(几乎是没有!). BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic
House天皇". 其实连Rock也有"Epic Rock"
Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样? 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点. 蛮有趣的~
不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种"而已。
到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。
[b][size=5]什么是Britpop？[/size][/b]
Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead
[b][size=5]什么是 Trip-Hop？[/size][/b]
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”，指迷幻，氤氲的药物【旅程】，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。 外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut
[b][size=5]什么是 Gangsta Rap？[/size][/b]
Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。 Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys
[b][size=5]什么是 Synth Pop？[/size][/b]
Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。 Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
[b][size=5]什么是 ORCHESTRA ？[/size][/b]
ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。
[b][size=5]什么是 CHAMBER POP？[/size][/b]
CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE& SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等
[b][size=5]什么是民歌（ FOLK）？[/size][/b]
民歌（ FOLK） 原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（FOLK），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（FOLK）的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP、ROCK及都市化发展，BOB DYLAN发明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一种更富现在都市感觉的URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（当代） FOLK路线。民歌 （FOLK）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年较新的发展是与 NEW AGE结合（如 ENYA），及与 TRIP HOP结合）如 BETH ORTON）。
[b][size=5]什么是 BOSSA NOVA ？[/size][/b]
BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个BAR的第1、4、7、11、14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。
[b][size=5]什么是 CLASSICAL POP ？[/size][/b]
CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。
[b][size=5]什么是ACAPPELLA ？[/size][/b]
ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。
[b][size=5]什么是 WORLD MUSIC？[/size][/b]
WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。
[b][size=5]什么是 DREAM-POP？[/size][/b]
DREAM-POP是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多靠SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。 代表乐队有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。
中文歌手以王菲为首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。 ??十二平均律
??
?? 十二平均律，是指将八度的音程(二倍频程)按频率等比例地分成十二等份，每一等份称为一个半音即小二度。一个大二度则是两等份。
??
?? 将一个八度分成12等份有着惊人的一些凑巧。它的纯五度音程的两个音的频率比(即2
??的7/12次方)与1.5非常接近，人耳基本上听不出“五度相生律”和“十二平均律”的五度
??音程的差别。同时，“十二平均律”的纯四度和大三度，两个音的频率比分别与4/3和5/4
??比较接近。也就是说，“十二平均律”的几个主要的和弦音符，都跟自然泛音序列中的几
??个音符相符合的，只有极小的差别，这为小号等按键吹奏乐器在乐队中使用提供了必要条
??件，因为这些乐器是靠自然泛音级(如前文所述，自然泛音序列，其频率是基音频率的整数
??倍序列，成等差数列)来形成音阶的。十二平均律在交响乐队和键盘乐器中得到广泛使用，
??因为只有“十二平均律”才能方便地进行移调。
??
?? 好象第一个精确地使用数学方法来计算“十二平均律”合音频率的人是我国明朝时期
??的一位姓朱的音乐家。这也算是我国人民为世界音乐作出的巨大贡献之一吧。
??
??调性（Tonality）
??
?? 调性（Tonality）简单的讲就是24个大小调。然而这是如何产生的呢？首先我们应该
??对音阶要有所认识。基本上西洋音乐是以七声音阶为基础，大家从五线谱上就可以了解，
??音符照著线与间的顺序排列，所得到的便只有C,D,E,F,G,A,B 七个不同的音名。然而之前
??曾提到一般所使用的共有十二个不同的音，那是因为以上七个音，其音与音之间的音程距
??离并非都是半音。以C大调为例：C,D,E,F,G, A,B,C*的排列除E,F与B,C*之间是半音音程外
??，其余各音之间的音程都是全音。
??
?? 大家要知道古典音乐从巴洛克时期一直到目前为止，绝大部分的创作是以调性音乐为
??主。现代音乐中虽然有非调性（atonal）音乐的产生，但基本上大家还是习惯接受调性音
??乐。而流行音乐更是仍无法跳脱调性音乐的规范。为什麽会这样呢？举例来说，一个人从
??家中出去，不论去多远的地方、或是要离开多久，最後总应该再回到家里。调性音乐中每
??个调子里最重要的便是主音（tonic），乐曲通常由主音或主和弦开始，结束时又将回到主
??音或主和弦。此种模式最重要的意义在於使音乐进行具有强烈的方向感。
??
?? 这种方向感的来源就在於音阶的排列上。我们称二音符间的距离为音程，如果一 个音
??阶里各音符间的音程相同，也就可以说它们之间的距离是一样，没有亲疏之 分。如此便缺
??乏一种趋势，自然也没有进行的方向可言。因此我们可以了解大小 调中那二组半音音程位
??置的重要性。以下将音阶中各音名称顺序列出：主音(tonic) 、上主音(supertonic)、中
??音(mediant)、下属音(subdominant)、属音(dominant) 、下中音(submediant)、导(leadi
??ng tone)、八度音(octave)。
??
?? 由此可知十二个音各自能成为一个调的主音，如此将得到十二个大调与十二个小 调，
??总共便是所称的二十四个大小调。
??
??
??构成音乐的若干要素
??
??旋律
??
?? 旋律也叫曲调，它是组织在一起的音的线条。它在音乐作品中占有最重要的地位。大
??家不妨试试看，听一首你从未听过的乐曲，你首先听到的是不是旋律？最后留给你印象最
??深的是不是旋律？你的回答将会是肯定的，所以说表现音乐内容的最主要的手段是旋律。
??
??
??和声（我们作到了多少？）
??
?? 和声是单个和弦按一定的规则连接起来的和弦序列。和声是在调式的基础上产生的，
??它帮助旋律更丰富地表现音乐内容。和弦是由三个以上的音，按三度叠置起来的。建立在
??调式主音上1、3、5三个音上的和弦叫主和弦，建立属音上的叫属和弦，三个音同时发音时
??，听起来就比一个音发出的声音好听而浑厚。
??
??力度（还有这个）
??
?? 力度也是重要的表现手段，在音乐作品中力度越强，音乐越紧张、雄壮，力度越弱，
??音乐则越缓和，委婉，因此音乐作品中常运用强弱对比的手法来发展音乐。
??
??音色
??
?? 音色好象绘画中的颜色，是音乐中极为吸引人，能直接触动感官的重要表现手段。音
??色可以分为人声音色和器乐音色。其中人声音色又分为男女高中低音，器乐单音色又分为
??弦乐器音色和管乐器音色以及打击乐器音色。
??
??主题
??
?? 欣赏大型音乐作品时，能听出主题是很要要的，但之还不够，还要学会听懂主题是怎
??样发展成一首大型作品的。主题的发展手法主要有重复、变奏、展开、对比、再现等，而
??这些发展手法之间有着密切的联系，经常是混合使用的。
??
??
??关于音乐的问答（合唱基础）
??
??（呵呵，精简了别人的）
??
??音乐的要素有哪些呢？
??音乐的精髓透过音乐的要素来传达与表现，而音乐的要素包含了节奏、旋律与合声
??
??什么是音的基本要素呢？
??音的基本要素包括了音高、音量、音质与音色
??
??什么是自然音呢？
??自然音（natural notes）指的是钢琴白键的七个音，其音名依序为ＣＤＥＦＧＡＢ
??
??甚么是变化音呢？
??变化音（derived notes）指的是钢琴黑键的五个音，也就是自然音的升降音
??
??什么是标准音高呢？
??伦敦国际会议（１９３９）决定「标准Ａ」音高为４４０，现今国际上普遍使用此规则
??（气温22度时的a1音的标准高度为440赫兹，称为音乐会标准音。）
??
??绝对音感与相对音感是指什么呢？
??能瞬间听出某个音音高的能力称为绝对音感；相对于绝对音感而言，在某音的比较下才
??能听出音高的能力称为相对音感
??
??音乐理论中的「乐音」与「噪音」如何定义呢？
??有人定义音乐作品中所使用的音称为乐音（musical tone）其余皆称为噪音（noise）；
??也有人定义钢琴键盘上一个周期所包含的十二个键为「乐音」，其余为「噪音」；也有
??不少书籍定义「乐音」为震动有规则的音响，「噪音」为震动无规则的音响
??
??十二平均律是由谁首创？
??中国十二平均律是由明代朱载堉首创，西洋十二平均律是由德国巴哈首创
??
??何谓中国五声音阶？
??我国古代利用三分损益法求得五声音阶,其音程为大二度与小三度,分别为宫,商,角,征,
??羽
??
??谁有和声学之父之称？
??法国了作曲家及理论家拉摩Rameau, Jean-Philippe(1683-1764)有和声学之父之称，他
??是巴洛克时期的作曲家
??
??什么是乐谱呢？
??凡是使用符号或文字来记载音的高低、音的长短、音的强弱、速度、表情、演奏法….即
??可称为乐谱
??
??五线谱的作用为何？
??五线谱能记载音的高低、长短、强弱及乐曲的速度和演奏法
??
??谱号可分为哪三大类？
??我们平常常见的谱号大致可分为高音谱号(又称为G谱号)，低音谱号（又称为F谱号），
??及中音谱号（又称为C谱号）
??
??何谓单谱表？
??只用一行五线谱来记载乐曲的谱表称之为单谱表
??
??何谓大谱表？
??将高音谱号及低音谱号的谱表重叠起来一起使用的谱表即为大谱表，通常用于钢琴及风
??琴等乐谱上
??
??何谓联合谱表？
??在大谱表上方连接一个高音谱表或低音谱表即成为联合谱表。或在大谱表上方连接三个
??高音谱表合一个低音谱表也成为联合谱表（混声四部）。或连接两个高音谱表，一个中
??音谱表和一个低音谱表也称为联合谱表（弦乐四重奏）。另外还有管弦乐团所用的总谱
??表也称为联合谱表，他将各种谱表连接起来是最完整的联合谱表
??
??何谓小节，小节线与双小节线？
??音乐有小节，小节则由小节线来划分，双小节线则是用在曲子的结尾
??
??单拍子与复拍子如何区别？
??用单纯音符作拍子的单位称为单拍子；若用复点音符作拍子的单位则称为复拍子
??
??何谓交错拍子？
??在相同或不同乐器的合奏曲当中，不同的声部以不同的拍号同时交错演奏的拍子称为交
??错拍子
??
??何谓变态拍子？
??再乐曲进行时，为了增加曲趣，时常变换拍号，称为变态拍子
??
??何谓强起拍？
??乐曲用强拍开始称为强起拍，强起拍的乐曲每小节的拍数都会是完整的
??
??何谓弱起拍？
??曲子从弱拍开始称为弱起拍，弱起拍的曲子第一小节与最后一小节的拍子是不完全的，
??但这两小节的拍子加起来即可成为一个完全的小节
??
??何谓混和拍子？
??五、七、九拍子被称为混和拍子
??
??何谓清唱剧？
??清唱剧通常已故视为题材，有角色但无布景与动作的音乐
??
??三大神剧是指哪三首呢？
??三大神剧是指韩德尔的弥赛亚、海顿的天地创造和孟德尔颂的伊利亚
??
??三大安魂曲是指哪三首呢？
??三大安魂曲是指莫扎特的Ｄ小调安魂曲、威尔第的安魂曲和佛瑞的安魂曲
??
??音乐史上的3B（4B）是指哪些人呢？
??布拉姆斯（Brahms, Johannes）、巴哈（Bach, Johann Sebastian）与贝多芬（Beetho
??ven, Ludwig van）三人并称为音乐史上的3B，若是4B就要另加巴尔托克（Bartók, Bé
??la）
??
??音乐的新旧约是指什么呢？
??在音乐史上，通常我们会把巴哈的十二平均律比喻为旧约圣经，且把贝多芬的三十二首
??钢琴奏鸣曲比喻为新约圣经
[[i] 本帖最后由 水痕 于 2007-6-12 11:17 PM 编辑 [/i]]
西洋音乐史
西洋音樂史Ⅰ、古代 (The Ancient Periods)：？～西元500年
數千年前的古典音樂由於年代過於久遠，加上所遺留下來的資料殘缺不
全、考證不易，所以今天討論西洋音樂史，大多是從希臘時期（大約是西元
前一千年）談起。
古希臘人非常熱愛音樂，他們當時已經有了音高的概念，並且依據不同
的音高制定了許多不同特性的調式。此外古希臘人也確立了一套有關於音階
方面的音樂理論。在樂器製作方面，希臘時期有一種叫「奧洛斯」的管樂器
，還有一種稱為「抱琴」的撥弦樂器。
希臘在西元前一四六年被羅馬帝國征服後，因為羅馬人並不珍惜希臘的
音樂遺產，使得音樂逐漸失去了在社會與生活上的重要性。這種情形一直到
基督教在羅馬興起，誕生了新的基督教音樂後，音樂才再度受到重視。在此
之前的音樂，我們今天就統稱為「古代音樂」。
Ⅱ、中世紀 (The Middle Age)：西元500年～1450年
中世紀：從基督教音樂興起後到文藝復興之前的這一段時期，時間上大
約為西元五００年到～一四五０年間。
許多歷史學家過去認為，在希臘、羅馬等古文明之後，中世紀是一段相
當長的黑暗期，意謂著歐洲的文明在這段時間進步得非常緩慢，然而近年來
的研究似乎漸漸地推翻了這種看法，至少在音樂方面，中世紀時期仍有以下
幾方面的發展：
1.以羅馬為中心的基督教音樂，隨著基督教的普及，逐漸流傳到歐洲各
地。到了西元六世紀末葉，在教皇葛麗果一世的主持下，由教會人士
將各地的教會音樂加以整理彙編及改良，產生了著名的葛麗果聖歌。
葛麗果聖歌揉合了猶太、敘利亞、希臘和羅馬的音樂（它只有單音的
旋律，沒有和聲或對位，也沒有使用樂器來半奏），這種聖歌在葛麗
果教皇的推動下，於西元十一、十二世紀時，到達了最鼎盛的境界。
2.除了具有宗教用途的聖歌外，一般的世俗音樂在中世紀時期也日漸發
達，這種音樂興起於騎士之間，然後再擴張到百姓社會。在當時以德
國和法國兩地的世俗音樂最為盛行。
3.中世紀時期另一項音樂上的重大發展便是樂譜的發明。在記譜法尚未
發明以前，音樂的流傳必須依賴口耳相傳，然而這樣子的方式，在傳
遞的準確性上比較無法控制，而且時日一久變化更大。所以隨著葛麗
果聖歌推廣上的需要，人們日益覺得有必要用樂譜把曲調正確地記錄
下來。
於是在西元九世紀時，天主教會的音樂家們便發明了「紐姆樂譜」
。最早的鈕姆樂譜還不能完全記下旋律，它只能表示歌詞各音節大略
的長度和抑揚而已。到了十世紀左右，四線譜發明以後便可記錄音的
高低。然後到了十二世紀又發明了表示音長短的符號，逐漸成了今天
五線譜的基礎。
Ⅲ、文藝復興時期 (The Renaissance)：西元1450年～1600年
文藝復興時期：西元一四五０年到一六００年間的一百五十年間。
文藝復興時期是歐洲近弋文明奠基的一個時期。在此之前歐洲人的思想
與生活方式都是以宗教為中心，然而自文藝復興時期以後，人們開始根據科
學的觀點去觀察有關人類和大自然的事物，以前被看成是神秘的事物，重新
被人們以理性、科學的方法志思考和研究。於是在文藝復興時期，歐洲產生
了許多偉大的人物，例如科學家哥白尼、伽利略；美術家達文西、米開蘭基
羅；文學家但丁、莎士比亞等人。至於在音樂方面，雖然沒有產生與上述幾
人齊名的人物，但仍有下列幾項重大的發展：
1.複音音樂的盛行：最早的葛麗果聖歌是單音音樂（所謂單音音樂是指
樂曲僅有單一的旋律線或曲調，不含任何伴奏的音樂），但是到了後
來，人們漸漸覺得這樣子的音樂太單調了，所以就試著在原來的旋律
之外，再加上其他的旋律一起唱，形成了所謂的「複音音樂」。
2.樂譜印刷術的發明：在樂譜印刷術發明之前，樂譜必須靠人工來抄寫
，所以樂譜在當時是相當珍貴而稀有的，這對於音樂的普及自然是非
常的不利。然而自從樂譜印刷術在文藝復興時期被發明後，一般社會
百姓也都能擁有樂譜，使民間的世俗音樂藉由樂譜的流傳而更加發達
。世俗音樂在此時期，終於到了可與宗教音樂分庭抗體的地步。此外
，印刷樂譜的問市，也使得後人對於研究前人所遺留下來的音樂，變
得更加便利，這點對於音樂經驗的累積與傳承，也產生了重大且深遠
的影響。
3.器樂曲的興起：雖然獨立的器樂曲在中世紀甚至可能更早之前便已存
在，但是因為在中世紀時期對音樂進展貢獻最大的作曲家，多是教會
方面的人士，他們自然把大部份的精神放在宗教音樂上面，在他們觀
念裡，音樂是為神服務、是用來讚美神的，所以他們大多寫不附樂器
伴奏的純聲樂曲，即使偶而使用風琴伴奏，也只是重覆著歌聲中的曲
調而已。因此，在文藝復興時期以前，純器樂曲大多是民間的世俗音
樂。另外由於在文藝復興時期，宗教音樂和世俗音樂成了兩股同時並
進的主流，再加上各式的樂器在這個時期均日漸完善，所以儘管純器
樂曲的主要發展是在十七世紀以後，但在文藝復興時期，其實已經清
楚地顯示出器樂與聲樂相互分離的傾向。
Ⅳ、巴洛克時期 (The Baroque Era)：西元1600年～1750年
巴羅克(Baroque)源自葡萄牙文，原是指「不規則」、「畸形」的珍珠，這時期的音樂是西洋樂史上最多多采多姿，也是最混亂的時期之一。此時的音樂新、舊不同風格的音樂同時並存，主要在文藝復興時期，複音音樂的創作手法已達一個顛峰，進入巴羅克時期後，人們在求變的時代精神下，開始把文藝復興時期已經開拓樂曲樣式逐漸加以變化，以求取更強的音樂表現張力
巴洛克時期，是西洋音樂史上最多彩多姿，也是最混亂複雜的時期之一
。在這個時期，音樂的發展是朝著好幾個方向同時並進，樂曲的形式與構造
也不斷地在發展和演變，所以這個時期呈現出一個現象，那就是新、舊不同
風格的音樂很明顯同時並存。今天回頭來審視巴洛克時期的音樂發展，我們
會發現，造成這種情況的原因，主要是在文藝復興時期，複音音樂的創作手
法已達到一個顛峰，進入巴洛克時期後，人們在求新求變的時代精神下，開
始把文藝復興時期已經開拓的樂曲樣式逐漸加以變化，以求取更強的音樂表
現力。在當時，許多新的作曲技法被拿來實驗和改良，所以巴洛克時期產生
了許多新的曲式，例如聲樂曲有歌劇、清唱劇及神劇；器樂曲則有奏鳴曲、
組曲及協奏曲等。在這些新興的樂曲形式中特別值得一提的，是歌劇的出現
，一般相信現存最古老的歌劇是於一六○○年上演於義大利的佛羅倫斯，由
於歌劇是一項劃時代的產品，所以「巴洛克」也就是歌劇誕生的這一年，來
做為與文藝復興時期的分界點。
除了新曲式的產生外，巴洛克時期的音樂特色還有以下幾點：
1.數字低音的運用：「數字低音」這個名詞經常困擾古典音樂的新鮮人
，令人無法明瞭它所代表的意義。在巴洛克時期的曲目中我們經常可
以看到__（樂器）和數字低音的奏鳴曲（或協奏曲、組曲等）這樣的
名稱，這使得許多人都以為數字低音是一項樂器，其實數字低音並不
是某一種樂器的名稱，而是一種作曲手法。
要解釋什麼是「數字低音」，可以先想像一下時下年輕人唱歌時
用吉他伴奏的情形。或許有人曾注意到，在他們唱歌的歌本上，除了
旋律的簡譜外，還有一些供吉他彈奏的和弦記號，這些記號的運用和
巴洛克時期的「數字低音」在概念上是一樣的。巴洛克時期的聲樂曲
或合奏曲，習慣上是由風琴、大鍵琴或魯特琴等可以奏出和聲的樂器
，或是由大提琴和低音管等低音樂器來演奏低音聲部，而作曲家通常
就用數字或記號來標示這些低音的上方應該奏出什麼和聲。所以和文
藝復興時期相比較，巴洛克時期音樂的特色之一，就是「數字低音」
的使用。講得更清楚一點，便是音樂已從複音音樂各聲部平衡的構造
，轉變為分成了高音的「旋律聲部」和低音的「和弦聲部」。
2.調性系統的產生：數字低音的應用在音樂上引起了新和聲的觀念，這
個新的和聲概念取代了以往複音音樂以對位法為基礎的聲部結合效果
，這也就是說以和聲理論為基礎的大、小調音階系統，在巴洛克時期
逐漸成了音樂創作的主流。
3.器樂曲的蓬勃發展：前面我們在介紹文藝復興時期的音樂發展時，曾
經提到器樂曲的主要發展是從十七世紀開始，原因之一是和巴洛克時
期歌劇和神劇等戲劇音樂的發達有關。因為歌劇和神劇的演出都必須
運用到大鍵琴、風琴或管弦樂器，作曲家在創作歌劇與神劇時，無形
中提昇了對各種樂器音色以及演奏技巧的掌握，而這個難得的經驗，
使他們在寫作器樂曲時更加得心應手；原因之二則是巴洛克時期義大
劉北部克列莫納這個地方，出現了諸如阿瑪娣、瓜奈里及史特拉第瓦
里等等的製琴家族，他們製造了大批優秀的各式提琴，大大地提昇了
弦樂器的表現力。好的樂器加上當時一些優秀的演奏人才，自然也使
得作曲家樂於去譜寫器樂曲。
代表人物 : 韓德爾 史卡拉第 巴 赫 普塞爾
Ⅴ、古典樂派時期(The Classic Era)：西元1750年～1820年
古典樂派時期：古典音樂的發展，在巴哈時代一過去，便進入"古典音樂時期"，所以古典樂派時期就以巴哈逝世的1750 年做為起點.古典樂派的音樂通常給聆聽者一種單純、明朗、優美、均衡的印象，這和巴羅克時期音樂華麗而且樂風複雜，以及浪漫時期音樂強調作曲家個人情感感的宣洩，是很不一樣的，造成這種情形的主要原因是古典樂派的作曲家，受到了當時文學上的古典主義精神的影響，追求的是一種樂曲形式上的客觀美感，所以古典派的音樂大都有著統一而且規律的性格.
古典時期的特色： 在旋律方面樂句工整，八小節一句為最常見的特色。音樂中的強弱轉變豐富，漸強、漸弱經常被靈活地應用在樂曲之中。
在節奏方面樂曲整體的速度穩定且變化少。音樂的效果注重平穩以及平衡的質感。低音的伴奏部份，常有一固定的分解和弦的節奏型態。 在和聲方面一個作品之中的基本和弦變化工整而合於理論，單純而嚴謹。數字低音已不復存在。在組織方面 樂曲通常由幾個大主題貫穿。作曲家再將主題變形，反轉、逆行、隱藏等手法，細緻地組織出具有主題織交特色的樂段。音樂為單純的絕對音樂，少有描寫性的音槳出現。而樂曲的形式均在此時期確立，因此樂曲多以奏 嗚曲、交響曲、四重奏等曲式的名稱存在，所以古典樂派的音樂大都有著統一而且
規律的性格。
歸納古典樂派時期的音樂表現，該時期的音樂有以下幾項特色：
1.數字低音的捨棄不用：前一節我們才提到「數字低音」的使用是巴洛
克音樂的特色之一，然而巴洛克時期一結束，數字低音這個名詞也跟
著走入歷史。到了古典時期複音音樂已經鮮少為人採用，這時幾乎已
是主調音樂的天下了，主調音樂的樂曲通常是由一個聲部來擔任主旋
律，而由其他聲部來擔任伴奏。
在古典時期，作曲家們對於和聲伴奏的部份，已不再像巴洛克時
期是用數字來表示，然後再由數字低音的演奏者來即興發揮。這時期
的作曲家對於曲調的和聲部份皆已整寫出，並且安排各種樂器來擔任
，以增加不同音色的變化。
2.樂句「漸強」與「漸弱」表現法的使用：今天一般人可能對於樂句漸
強與漸弱的表現方式已習以為常，認為這是理所當然的事，但是這兒
我們必須說明的是，這種表現方式是從古典時期才開始的。
在複音音樂的時代，由於複音音樂著重的是每一個聲部地位均相
同，各聲部必須保持均衡，所以不容易有強弱差別很大的表現。即使
是巴洛克時期的主調音樂，雖然也強調獨奏部與伴奏部之間力度上的
強弱交替，以產生樂曲明暗的變化，但是巴洛克時期樂句強弱的對比
，是以明晰的台階式表現的，當時的人還沒有將樂句塑造成「漸強」
或「漸弱」的概念，所以說樂句漸強與漸弱的表現手法，是從古典時
期才確立的。
3.奏鳴曲式的確立：奏鳴曲這個名詞在古典時期以前即已出現，但是最
初的奏鳴曲不管在形式或含義上均模糊不清，當時這個名稱主要是用
在器樂曲上，目的只是要與聲樂曲做個區別。到了古典時期，奏鳴曲
經由Ｄ‧史卡接第、巴哈的兒子Ｋ‧Ｐ‧Ｅ‧巴哈以及史他密茲等作
曲家的努力，逐漸確立成一種樂曲形式，然後再由海頓、莫札特和貝
多芬等人將之發揚光大。
代表人物 : 海頓 莫扎特 貝多芬
Ⅵ、浪漫樂派時期 (The Romantic Era)：西元1820年～1900年
熟悉西洋藝術史的人都知道，整個十九世紀，歐洲都籠罩在一股巨大的
浪漫主義思想潮流之中。浪漫主義其實就是一種與古典主義相對立的思想。
前面我們曾提到，古典樂派時期的音樂著重的是形式與規則，它要表現出形
式上客觀的美感。浪漫主義既然與古典主義相反，那麼浪漫樂派的音樂便是
要打破舊有的形式與規則，這時期的作曲家認為，音樂的主要功能是要反映
出他們的情感，形式只是一種表達的媒介，所以當舊形式不足以滿足需求時
，他們就任意的去加以變更。因此浪漫時期雖然延用了許多古典時期便已使
用的音樂形式，但樂曲在內容上卻更自由、更不受約束。由這樣一個觀念所
引起的現象之一，就是長達一個小時以上的龐大交響曲和短至不到一分鐘的
小曲子，在這個時期都同時並存，整個音樂世界因此也變得更多采多姿了。
綜合浪漫樂派時期的音樂表現，這個時期的特色有以下幾點：
1.標題音樂的確立：也許有人會問：「標題音樂怎麼會是到浪漫時期才
確立的呢？海頓的許多交響曲不是也有著像是『驚愕』、『軍隊』、
『時鐘』等等的標題，而貝多芬的『英雄』、『命運』、『田園』等
交響曲則更有名了，難道這些曲子不是標題音樂嗎？」，這個問題問
得非常好，在這兒我們必須說明的是，並不是樂曲冠上了一個標題，
它就是屬於「標題音樂」。
所謂「標題音樂」，是指作曲家為了藉由音樂來描寫某一個故事
或者是某一種情景的氣氛，於是他就應用描寫式的旋律或節奏，甚至
是模仿真實聲音的擬音效果，來具體表示出樂曲內容的音樂。所以標
題音樂除了有標題外，作曲者通常也會附上說明樂曲內容的文字，好
讓聆賞者可以清楚地知道作曲者的創作意圖。
儘管描寫性的音樂在浪漫時期以前已經出現過（例如巴洛克時期
義大利作曲家韋瓦第所寫的小提琴協奏曲「四季」，就是非常著名的
例子），但當時這種曲子多半是偶發性的創作，數量上非常少。
一般學者認為，標題音樂的概念是從浪漫樂派時期法國作曲家白
遼士所寫的「幻想交響曲」開始確立的，而且從那時起，「標題音樂
」才漸漸成為古典音樂史上的主要角色。
至於前面所提到的海頓及貝多芬的交響曲附有標題的問題，其實
那些標題多半是由後人所附加上去的，就算有的是由作曲者所親提，
但那些曲子創作的目的，並不是用音樂來描述事物，標題的附加頂多
是用來傳達樂曲的概念而已，所以並不算是真正的標題音樂。
2.交響詩的產生：運用標題音樂的概念所譜作的樂曲中，要以「交響詩
」最具有代表性了。「交響詩」這種樂曲形式是由匈牙利鋼琴家兼作
曲家李斯特首創，它是一種不分樂章而且形式自由的管弦樂曲。交響
詩既然是標題音樂的一種，它的目的自然也是在描述事物，它可以陳
述一個故事、描繪一個景緻，或者是表達出作曲者對於某件事物的感
想。繼李斯特之後，浪漫時期有許多作曲家也從事交響詩的寫作，其
較著名的有史麥塔納、聖桑、德弗乍克、雷史碧基及理查‧史特勞斯
等人。
3.民族主義與音樂的結合：十九世紀中葉以後民族主義興起，歐洲各民
族的民族意識相繼覺醒，這個潮流影響所及，歐洲各國的作曲家們紛
紛往自己民族的傳統素材中找尋作曲的靈感。他們有的運用民謠曲調
及節奏，有的則以各民族的傳說、軼事作為創作的題材。一時之間，
一股有別於當時以德奧體系（主要是德、奧、法、比四國）為音樂主
流、富有各民族獨特色彩的音樂，如雨後春筍般在各地出現。這一批
德奧體系之外，包括俄羅斯、東歐、北歐及南歐等國家的作曲家們，
所譜寫的音樂因為都具有民族特色，因此便形成了所謂的「國民樂派
」。
代表人物 : 舒伯特 蕭 邦 舒 曼 帕格尼尼 孟德爾頌 比才
李斯特 普契尼 史特勞斯 布拉姆斯 柴可夫斯基
Ⅶ、現代樂派時期 (The Modern Era)：西元1900年～現代
二十世紀這一波音樂史的新風潮，應該可以從法國作曲家德布西創造出印象主義音樂開始算起，他的音樂在和弦方面非常大膽，完全不受傳統和聲理論的規範，並且喜歡應用六全音階來作曲，可說是一位特立獨行的作曲家。到了第一次世界大戰以後，奧國作曲家荀白克發表十二音列系統的新理論，並依據這個理論創造出十二音列的無調性音樂，至此傳統的調性觀念和大小調音階體系完全被打破。荀白克之後，各式各樣新音樂理論相繼被人提出與採用，諸如噪音主義、具象音樂、電子音樂、機遇音樂以及微分音音樂等等各種實驗性色彩濃厚的音樂。
本時期的音樂風格多樣，以下是此期間音樂不同風格的大致表現：浪漫主義者仍沿襲以大型樂團的組合，豐富的音效作為寫曲的基本模式。而為了強化表現力，作曲家們嚐試把音樂與文學，戲劇等藝術結合。因此經常會出現運用標題的情形，以使音樂與文學結合。音樂具有著細緻、優雅、朦朧之美，多以附加標題的方式，讓音樂反應出印象派繪畫般的質感。這一派的樂曲，特別製造出一種新奇的音效感，這種空靈的質感來自多非傳統式的和弦連接手法，如和弦平行地進行。而印象樂樂派的作品，更是十分講究音色的轉化。表現主義者表現主義主張運用絕對不協和音，刻意避免任何和協感的效果，更要呈現無謂個性感。於是音樂便完全地脫離優雅自然的面貌，而以近乎扭曲形態出現。新古曲樂派新古典主義應用巴羅克的對位、數字低音、賦格曲等手法寫曲。
參考資料：
[url]http://www.pksh.ylc.edu.tw/~music/westmusic/history/history.htm[/url]
奇摩知識+
中国音乐史
一、远古时期中华民族音乐的蒙昧时期早于华夏族的始祖神轩辕黄帝两千余年。据今六千七百年 至七千余年的新石器时代，先民们可能已经可以烧制陶埙，挖制骨哨。这些原始的乐器 无可置疑地告诉人们，当时的人类已经具备对乐音的审美能力。 远古的音乐文化根据古代文献记载具有歌、舞、乐互相结合的特点。葛天氏氏族中的所谓"三人操牛尾，投足以歌八阕"的乐舞就是最好的说明。当时，人们所歌咏的内容，诸如"敬天常"、"奋五谷"、"总禽兽之极"反映了先民们对农业、畜牧业以及天地自然规律的认识。这些歌、舞、乐互为一体的原始乐舞还与原始氏族的图腾崇拜想联系。例如黄帝氏族曾以云为图腾，他的乐舞就叫做《云门》。关于原始的歌曲形式，可见《吕氏春秋》所记涂山氏之女所作的"候人歌"。这首歌的歌词仅只"候人兮猗"一句，而只有"候人"二字有实意。这便是音乐的萌芽，是一种孕而未化的语言。
二、夏、商时期
夏商两代是奴隶制社会时期。从古典文献记载来看，这时的乐舞已经渐渐脱离原始氏族乐舞为氏族共有的特点，它们更多地为奴隶主所占有。从内容上看，它们渐渐离开了原始的图腾崇拜，转而为对征服自然的人的颂歌。例如夏禹治水，造福人民，于是便出现了歌颂夏禹的乐舞《大夏》。夏桀无道，商汤伐之，于是便有了歌颂商汤伐桀的乐舞《大蠖》。商代巫风盛行，于是出现了专司祭祀的巫（女巫）和觋（男巫）。他们为奴隶主所豢养，在行祭时舞蹈、歌唱，是最早以音乐为职业的人。奴隶主以乐舞来祭祀天帝、祖先，同时又以乐舞来放纵自身的享受。他们死后还要以乐人殉葬，这种残酷的殉杀制度一方面暴露了奴隶主的残酷统治，而在客观上也反映出生产力较原始时代的进步，从而使音乐文化具备了迅速发展的条件。 据史料记载，在夏代已经有用鳄鱼皮蒙制的鼍鼓。商代已经发现有木腔蟒皮鼓和双鸟饕餮纹铜鼓，以及制作精良的脱胎于石桦犁的石磐。青铜时代影响所及，商代还出现了编钟、编铙乐器，它们大多为三枚一组。各类打击乐器的出现体现了乐器史上击乐器发展在前的特点。始于公元前五千余年的体鸣乐器陶埙从当时的单音孔、二音孔发展到五音孔，它已可以发出十二个半音的音列。根据陶埙发音推断，我国民族音乐思维的基础五声音阶出现在新石器时代的晚期，而七声至少在商、殷时已经出现。
三、西周、东周时期
西周和东周是奴隶制社会由盛到衰，封建制社会因素日趋增长的历史时期。西周时期宫廷首先建立了完备的礼乐制度。在宴享娱乐中不同地位的官员规定有不同的地位、舞队的编制。总结前历代史诗性质的典章乐舞，可以看到所谓"六代乐舞"，即黄帝时的《云门》，尧时的《咸池》，舜时的《韶》，禹时的《大夏》，商时的《大蠖》，周时的《大武》。周代还有采风制度，，收集民歌，以观风俗、察民情。赖于此，保留下大量的民歌，经春秋时孔子的删定，形成了我国第一部诗歌总集－－《诗经》。它收有自西周初到春秋中叶五百多年的入乐诗歌一共三百零五篇。《诗经》中最优秀的部分是"风"。它们是流传于以河南省为中心，包括附近数省的十五国民歌。此外还有文人创作的"大雅"、"小雅"，以及史诗性的祭祀歌曲"颂"这几种体裁。就其流传下来的的文字分析，《诗经〉中的歌曲以可概括为十种曲式结构。作为歌曲尾部的高潮部分，已有专门的名称"乱"。在《诗经》成书前后，著名的爱国诗人屈原根据楚地的祭祀歌曲编成《九歌》，具有浓重的楚文化特征。至此，两种不同不同音乐风格的作品南北交相辉映成趣。 周代时期民间音乐生活涉及社会生活的十几个侧面，十分活跃。世传伯牙弹琴，钟子期知音的故事即始于此时。这反映出演奏技术、作曲技术以及人们欣赏水平的提高。古琴演奏中，琴人还总结出"得之于心，方能应之于器"的演奏心理感受。著名的歌唱乐人秦青的歌唱据记载能够"声振林木，响遏飞云"。更有民间歌女韩娥，歌后"余音饶梁，三日不绝"。这些都是声乐技术上的高度成就。 周代音乐文化高度发达的成就还可以一九七八年湖北随县出土的战国曾侯乙墓葬中的古乐器为重要标志。这座可以和埃及金字塔媲美的地下音乐宝库提供了当时宫廷礼乐制度的模式，这里出土的八种一百二十四件乐器，按照周代的"八音"乐器分类法（金、石、丝、竹、匏、土、革、木）几乎各类乐器应有尽有。其中最为重要的六十四件编钟乐器，分上、中、下三层编列，总重量达五千余公斤，总音域可达五个八度。由于这套编钟具有商周编钟一钟发两音的特性，其中部音区十二个半音齐备，可以旋宫转调，从而证实了先秦文献关于旋宫记载的可靠。曾侯乙墓钟、磐乐器上还有铭文，内容为各诸侯国之间的乐律理论，反映着周代乐律学的高度成就。在周代，十二律的理论已经确立。五声阶名（宫、商、角、徵、羽）也已经确立。这时，人们已经知道五声或七声音阶中以宫音为主，宫音位置改变就叫旋宫，这样就可以达到转调的效果。律学上突出的成就见于《管子－地员篇》所记载的"三分损益法"。就是以宫音的弦长为基础，增加三分之一（益一），得到宫音下方的纯四度徵音；徵音的弦长减去三分之一（损一），得到徵音上方的纯五度商音；以次继续推算就得到五声音阶各音的弦长。按照此法算全八度内十二个半音（十二律）的弦长，就构成了"三分损益律制"。这种律制由于是以自然的五度音程相生而成，每一次相生而成的音均较十二平均律的五度微高，这样相生十二次得不到始发律的高八度音，造成所谓"黄钟不能还原"，给旋宫转调造成不便。 但这种充分体现单音音乐旋律美感的律制一直延续至今。
四、秦、汉时期
秦汉时开始出现"乐府"。它继承了周代对采风制度，搜集、整理改变民间音乐，业绩终了大量乐工在宴享、郊祀、朝贺等场合演奏。这些用作演唱的歌词，被称为乐府诗。乐府，后来又被引申为泛指各种入乐或不入乐的歌词，甚至一些戏曲和气越也都称之为乐府。 汉代主要的歌曲形式是相和歌。它从最初的"一人唱，三人和"的清唱，渐次发展为有丝、竹乐器伴奏的"相和大曲"，并且具"艳--趋--乱"的曲体结构，它对隋唐时的歌舞大曲由着重要影响。汉代在西北边疆兴起了鼓吹乐。它以不同编制的吹管乐器和打击乐器构成多种鼓吹形式，如横吹、骑吹、黄门鼓吹等等。它们或在马上演奏，或在行进中演奏，用于军乐礼仪、宫廷宴饮以及民间娱乐。今日尚存的民间吹打乐，当有汉代鼓吹的遗绪。在汉代还有"百戏"出现，它是将歌舞、杂技、角抵（相扑）合在一起表演的节目。汉代律学上的成就是京房以三分损益的方法将八度音程华划为六十律。这种理论在音乐实践上虽无意义，但体现了律学思维的精微性。从理论上达到了五十三平均律的效果。
五、三国、两晋、南北朝时期
由相和歌发展起来的清商乐在北方得到曹魏政权的重视，设置清商署。两晋之交的战乱，使清商乐流入南方，与南方的吴歌、西曲融合。在北魏时，这种南北融合的清商乐又回到北方，从而成为流传全国的重要乐种。汉代以来，随着丝绸之路的畅通，西域诸国的歌曲以开始传入内地。北凉时吕光将在隋唐燕乐中占有重要位置的龟兹（今新疆库车）乐带到内地。由此可见当时各族人民在音乐上的交流已经十分普及了。 这时，传统音乐文化的代表性乐器古琴趋于成熟，这主要表现为：在汉代已经出现了题解琴曲标题的古琴专著《琴操》。三国时著名的琴家嵇康在其所著《琴操》一书中有"徽以中山之玉"的记载。这说明当时的人们已经知道古琴上徽位泛音的产生。当时，出现了一大批文人琴家相继出现，如嵇康、阮籍等，《广陵散》（《聂政刺秦王》）、《猗兰操》、《酒狂》等一批著名曲目问世。 南北朝末年还盛行一种有故事情节，有角色和化妆表演，载歌载舞，同时兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戏。这已经是一种小型的雏形戏曲。 这一时期律学上的重要成就，包括晋代荀瑁找到管乐器的"管口校正数"。南朝宋何承天在三分损益法上，以等差迭加的办法，创立了十分接近十二平均律的新律。他的努力初步解决了三分损益律黄钟不能还原的难题。
六、隋、唐时期 隋唐两代，政权统一。
特别是唐代，政治稳定，经济兴旺，统治者奉行开放政策，勇于吸收外城文化，加上魏晋以来已经孕育着的各族音乐文化融合打基础，终于萌发了以歌舞音乐为主要标志的音乐艺术的全面发展的高峰。 唐代宫廷宴享的音乐，称作"燕乐"。隋、唐时期的七步乐、九部乐就属于燕乐。它们分别是各族以及部分外国的民间音乐，主要有清商乐（汉族）、西凉（今甘肃）乐、高昌（今吐鲁番）乐、龟兹（今库车）乐、康国（今俄国萨马尔汉）乐、安国（今俄国布哈拉）乐、天（今印度）乐、高丽（今朝鲜）乐等。其中龟兹乐、西凉乐更为重要。燕乐还分为坐部伎和立部伎演奏，根据白居易的《立部伎》诗，坐部伎的演奏员水平高于立部伎。 风靡一时的唐代歌舞大曲是燕乐中独树一帜的奇葩。它继承了相和大曲的传统，融会了九部乐中各族音乐的精华，形成了散序－－中序或拍序－－破或舞遍的结构形式。见于《教坊录》著录的唐大曲曲名共有46个，其中《霓裳羽衣舞》以其为著名的皇帝音乐家唐玄宗所作，又兼有清雅的法曲风格，为世所称道。著名诗人白居易写有描绘该大曲演出过程的生动诗篇《霓裳羽衣舞歌》。 唐代音乐文化的繁荣还表现为有一系列音乐教育的机构，如教坊、梨园、大乐署、鼓吹署以及专门教习幼童的梨园别教园。这些机构以严密的考绩，造就着一批批才华出众的音乐家。文学史上堪称一绝的唐诗在当时是可以入乐歌唱的。当时歌伎曾以能歌名家诗为快；诗人也以自己的诗作入乐后流传之广来衡量自己的写作水平。在唐代的乐队中，琵琶是主要乐器之一。它已经与今日的琵琶形制相差无几。现在福建南曲和日本的琵琶，在形制上和演奏方法上还保留着唐琵琶的某些特点。 受到龟兹音乐理论的影响，唐代出现了八十四调，燕乐二十八调的乐学理论。唐代曹柔还创立了减字谱的古琴记谱法，一直沿用至近代。
七、宋、金、元时期
宋、金、元时期音乐文化的发展以市民音乐的勃兴为重要标志，较隋唐音乐得到更为深入的发展。随着都市商品经济的繁荣，适应市民阶层文化生活的游艺场"瓦舍"、"勾栏"应运而生。在"瓦舍"、"勾栏"中人们可以听到叫声、嘌唱、小唱、唱赚等艺术歌曲的演唱；也可以看到说唱类音乐种类崖词、陶真、鼓子词、诸宫调，以及杂剧、院本的表演；可谓争奇斗艳、百花齐放。这当中唱赚中的缠令、缠达两种曲式结构对后世戏曲以及器乐的曲式结构有着一定的影响。而鼓子词则影响到后世的说唱音乐鼓词。诸宫调是这一时期成熟起来的大型说唱曲种。其中歌唱占了较重的分量。 承隋唐曲子词发展的遗绪，宋代词调音乐获得了空前的发展。这种长短句的歌唱文学体裁可以分为引、慢、近、拍、令等等词牌形式。在填词的手法上已经有了"摊破"、"减字"、"偷声"等。南宋姜夔是既会作词，有能依词度曲的著名词家、音乐家。他有十七首自度曲和一首减字谱的琴歌《古怨》传世。这些作品多表达了作者关怀祖国人民的心情，描绘出清幽悲凉的意境，如《扬州慢》、《鬲溪梅令》、《杏花天影》等等。宋代的古琴音乐以郭楚望的代表作《潇湘水云》开古琴流派之先河。作品表现了作者爱恋祖国山河的盎然意趣。在弓弦乐器的发展长河中，宋代出现了"马尾胡琴"的记载。到了元代，民族乐器三弦的出现值得注意。在乐学理论上宋代出现了燕乐音阶的记载。同时，早期的工尺谱谱式也在张炎《词源》和沈括的《梦溪笔谈》中出现。近代通行的一种工尺谱直接导源于此时。宋代还是我国戏曲趋于成熟的时代。它的标志是南宋时南戏的出现。南戏又称温州杂剧、永嘉杂剧，其音乐丰富而自然。最初时一些民间小调，演唱时可以不受宫调的限制。后来发展为曲牌体戏曲音乐时，还出现了组织不同曲牌的若干乐句构成一种新曲牌的"集曲"形式。南戏在演唱形式上已有独唱、对唱、合唱等多种。传世的三种南戏剧本《张协状元》等见于《永乐大曲》。戏曲艺术在元代出现了以元杂剧为代表的高峰。元杂剧的兴盛最初在北方，渐次向南方发展，与南方戏曲发生交融。代表性的元杂剧作家有关汉卿、马致远、郑光祖、白朴，另外还有王实甫、乔吉甫，世称六大家。典型作品如关汉卿的《窦娥冤》，《单刀会》，王实甫的《西厢记》。元杂剧有严格的结构，即每部作品由四折（幕）一楔子（序幕或者过场）构成。一折内限用同一宫调，一韵到底，常由一个角色（末或旦）主唱，这些规则，有时也有突破，如王实甫的《西厢记》达五本二十折。元杂剧对南方戏曲的影响，造成南戏（元明之际叫做传奇）的进一步成熟。出现了一系列典型剧作，如《拜月庭》、《琵琶记》等等。这些剧本经历代流传，至今仍在上演。当时南北曲的风格 已经初步确立，以七声音阶为主的北曲沉雄；以五声音阶为主的南曲柔婉。随着元代戏曲艺术的发展，出现了最早的总结戏曲演唱理论的专著，即燕南之庵的《唱论》，而周德清的《中原音韵》则是北曲最早的韵书，他把北方语言分为十九个韵部，并且把字调分为阴平、阳平、上声、去声四种。这对后世音韵学的研究以及戏曲说唱音乐的发展均有很大的影响。
八、明、清时期
由于明清社会已经具有资本主义经济因素的萌芽，市民阶层日益壮大，音乐文化的发展更具有世俗化的特点明代的民间小曲内容丰富，虽然良莠不齐，但其影响之广，已经达到"不问男女"，"人人习之"的程度。由此，私人收集编辑，刊刻小曲成风，而且从民歌小曲到唱本，戏文，琴曲均有私人刊本问世。如冯梦龙编辑的《山歌》，朱权编辑的最早的琴曲《神奇秘谱》等。 明清时期说唱音乐异彩纷呈。其中南方的弹词，北方的鼓词，以及牌子曲，琴书，道情类的说唱曲种更为重要。南方秀丽的弹词以苏州弹词影响最大。在清代，苏州出现了以陈遇乾为代表的苍凉雄劲的陈调；以马如飞为代表的爽直酣畅的马调；以俞秀山为代表的秀丽柔婉的俞调这三个重要流派。以后又繁衍出许多新的流派。北方的鼓词以山东大鼓，冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韵大鼓较为重要。而牌子曲类的说唱有单弦，河南大调曲子等；琴书类说唱有山东琴书，四川扬琴等；道情类说唱有浙江道情，陕西道情，湖北渔鼓等，少数民族也出现了一些说唱曲如蒙古说书、白族的大本曲。 明清时期歌舞音乐在各族人民中有较大的发展，如汉族的各种秧歌，维吾尔族灯木卡姆，藏族的囊玛，壮族的铜鼓舞，傣族的孔雀舞，彝族的跳月，苗族的芦笙舞等等。 以声腔的流布为特点，明清戏曲音乐出现了新的发展高峰。明初四大声腔有海盐、余姚、弋阳、昆山诸腔，其中的昆山腔经由江苏太仓魏良甫等人的改革，以曲调细腻流畅，发音讲究字头、字腹、字尾而赢得人们的喜爱。昆山腔又经过南北曲的汇流，形成了一时为戏曲之冠的昆剧。最早的昆剧剧目是明梁辰鱼的《浣纱记》，其余重要的剧目如明汤显祖的《牡丹亭》、清洪升的《长生殿》等。弋阳腔以其灵活多变的特点对各地的方言小戏发生重要影响，使得各地小戏日益增多，如各种高腔戏。明末清初，北方以陕西西秦腔为代表的梆子腔得到很快的发展，它影响到山西的蒲州梆子、陕西的同州梆子、河北梆子、河南梆子。这种高亢、豪爽的梆子腔在北方各省经久不衰。晚清，由西皮和二黄两种基本曲调构成的皮黄腔，在北京初步形成，由此，产生了影响遍及全国的京剧。 明清时期，器乐的发展表现为民间出现了多种器乐合奏的形式。如北京的智化寺管乐，河北吹歌，江南丝竹，十番锣鼓等等。明代的《平沙落雁》、清代的《流水》等琴曲以及一批丰富的琴歌《阳关三叠》、《胡茄十八拍》等广为流传。琵琶乐曲自元末明初有《海青拿天鹅》以及《十面埋伏》等名曲问世，至清代还出现了华秋萍编辑的最早的《琵琶谱》。明代末叶，著名的乐律学家朱载育计算出十二平均律的相邻两个律（半音）间的长度比值，精确到二十五位数字，这一律学上的成就在世界上是首创。
九、近现代时期
这一时期始自清代末叶的鸦片战争，在历经一系列反帝反封建的农民革命，戊戌变法、辛亥革命、"五四运动"，以及中国共产党领导下的新民主主义革命，这一百多年来，音乐文化的发展交织着传统音乐和欧洲传入的西洋音乐，但音乐文化的发展是以民主，科学为主要潮流的。 传统音乐首先以革命民歌的发展为以热潮，如反映太平天国革命的《洪秀全起义》，抗议沙俄入侵的《迫迁歌》，"五四"时期痛斥军阀出卖祖国镇压百姓的城市小调《坚持到底》，《苦百姓》等，在红色根据地，边区，解放区，革命歌曲更具有优秀的传统，如《天心顺》，《绣金匾》等。戏曲音乐中京剧的形成影响及于全国，出现了程长庚、谭鑫培以及后来的梅兰芳、程砚秋、周信芳等一代名优。各种地方小戏、评剧、越剧、楚剧等也获得了较快的发展，民族器乐则以民间出现各种器乐演奏的社团为特点，如"天韵社"，"大同乐会"等等。这反映出民族器乐的发展有着深厚的民间活动基础。这种民族音乐民间活动的特点造就出许多卓越的民间艺人，其中华彦钧（瞎子阿炳）就是杰出的代表。此外，各种琴谱、琵琶谱的编定、出版也多了起来。 西洋音乐的传入中国虽可以上溯到元、明时期，但作为一种文化形态影响于中国应当是清末民初的学堂民歌运动。当时一些要求效法欧美，富国强兵的维新派知识分子倡导了这一运动，如梁启超、沈心工、李书同等。学堂乐歌作为学生音乐教材，以宣传爱国反帝，拥护共和，以及学习欧美科学文明为内容，如《中国男儿》，《体操－兵操》等，这些乐歌又不仅流传于学校，而且广泛影响到社会各界。这些乐歌多借用外来曲调填词，也有少数根据本国曲调填词，还有少数创作曲调。 在"五四"新文化运动的影响下，我国开始兴起了传播西洋音乐，改进国乐的音乐活动，并建立了一些音乐社团，如"北大音乐研究社"、"中华美育社"、"国乐改进社"。而专业音乐教育最初就是在这些音乐社团的基础上建立的。二十世纪二十年代，肖友梅又在上海创建国立音乐院，这是正规专业音乐教育的开始。肖友梅呕心呖血，毕生献给了我国早期专业音乐教育事业。"五四"时期，著名的语言学家、作曲家赵元任是我国早期专业音乐创作的代表人物之一，他注意民族语言音调同歌曲音调的结合，善于吸收传统音乐中的营养，写出了《卖布谣》，《教我如何不想他》等流传至今的作品。民族音乐家刘天华则从学习西洋音乐中探索改进国乐的道路，创办了"国乐改进社"，写出了《光明行》、《空山鸟语》、《病中吟》等二胡独奏曲，并且把二胡纳入专业音乐教育课程。黎锦晖创作了大量的儿童歌舞剧，如《小小画家》、《麻雀与小孩》以及歌舞表演剧《可怜的秋香》等，这些作品也是我国新歌剧创作的的早期探索。王光祈作为我国第一代音乐学家，在中国音乐史学以及比较音乐学上具有开创性的贡献。三十年代著名的音乐教育家，作曲家黄自对专业音乐教育的巩固和提高做了大量工作。他培养出一批专业音乐工作者如刘雪庵，江定仙，贺绿汀等，他创作的《玫瑰三愿》、《南乡子》等艺术歌曲仍然回响在今天的音乐会舞台上。他还写出了我国第一部清唱剧《长恨歌》。这一时期，专业音乐的发展以歌曲为主要体裁，器乐曲相对来说较为薄弱。但在器乐作品民族化方面也出现了一些较好的作品，如贺绿汀的钢琴曲《牧童短笛》，瞿维的钢琴曲《花鼓》，马思聪的小提琴曲《内蒙组曲》，马可的管弦乐曲《陕北组曲》，民族器乐曲如《春江花月夜》，以及华彦钧的《二泉映月》。
中国内地流行音乐发展概况
（一）、抒情歌曲的复兴１９７６年１０月，“四人帮”被粉碎，１９７８年底，党的十一届三中全会确定了建设四个现代化的目标和任务。中国遂进入一个新的历史时期。改革开放成为基本国策逐步在各个领域推行。“文革”的伤痕与改革开放的兴奋、喜悦之情的交织，构成了基本的社会心态。反映到歌曲创作领域，即是抒情歌曲的复兴。首先获得群众推许的作品为《祝酒歌》（韩伟词、施光南曲）。 １９８０年，中央人民广播电台文艺部与《歌曲》编辑部联合举办“听众喜爱的广播歌曲”评选活动，有２５万多人次参加评选，产生了著名的“十五首抒情歌曲”。 “十五首抒情歌曲”代表了８０年代初期群众歌曲的成就。它继承了开创于３０年代的抒情群众歌曲，特别是５０～６０年代抒情民歌风群众歌曲的传统，抒发了大众的真实情感，讲究旋律的优美流畅，是对“文革”期间“高强硬响”音乐观念的逆反。 这个时期活跃的作曲家既有“文革”前期及中期已蜚声乐坛的唐诃、吕远等，又有“文革”中方崭露头角的王酩、王立平、施光南等。其中，王酩的歌曲创作具有很强的典型性。从电影《小花》插曲《妹妹找哥泪花流》、《绒花》（凯传词）到日后的《知音》（华而实词），显现了处理抒情题材的能力。他的旋律委婉动人、一波三折，具有很强的感染力。 王立平在《太阳岛上》的创作中已带上了流行音乐的节奏因素，此曲的演唱也使郑绪岚一举成名。 张丕基在《三峡传说》电视风光片中写作了一首《乡恋》。这是一首吸收了探戈舞曲节奏的歌曲，由李谷一用“气声”演唱，在大受欢迎的同时也招致尖锐的批评。嗣后，由苏小明演唱、马金星作词、刘诗召作曲的《军港之夜》也受到同样的非议。 在器乐领域，王立平为纪录影片《潜海姑娘》的配乐造成了一股夏威夷吉他热。上海、广州的轻音乐队也已组建成形。 由“十五首抒情歌曲”奠定的写作风格成为新时期歌曲创作的主要流派，并于８０年代前期居统治地位。此时的抒情歌曲并不是真正意义上的流行音乐，而是处于“文革”之前的群众抒情歌曲与80年代中期的流行歌曲之间的一种过渡体裁。 与抒情歌曲复兴相对的是进行曲创作的衰退。除１９８１年的《中国，中国，鲜红的太阳永不落》（贺东久、任红举词，朱南溪曲）外，直至８０年代末几无其他成功之作。
（二）、港台流行音乐的传入及对内地流行音乐产业的出现
伴随经济的改革开放，海外家电产品大量涌入中国内地，打先锋的盒式录音机和与之相配合的录音磁带，其势一时颇为迅猛，尤以邓丽君的流行歌曲盒带传播最广，其次有刘文正、凤飞飞、张帝等。 邓丽君由于其个人风格的成熟和完整在内地获得了广泛流传，并对内地流行乐的发展产生了很大影响。第一代女歌星和流行乐作者从邓丽君盒带的演唱和配器上得到启发和示范。歌星程琳、段品章等人则由于模仿邓丽君惟妙惟肖而得“小邓丽君”之称。 刘文正的演唱也同样影响到内地第一代男歌星的演唱。王洁实、谢莉斯二人实以演唱以刘文正为本的校园歌曲而成名。同时，校园歌曲作为台湾年轻一代流行乐创作上向现代过渡的成就也影响到内地校园歌曲的产生。如《清晨我们踏上小道》（韩先杰词、谷建芬曲）、《年轻的朋友来相会》（张枚同词、谷建芬曲）。 港台歌曲的传入带来了一种新的音乐文化形态。１９８０年前后成立的广州太平洋影音公司，是最早的流行音乐产业之一；广州茶座上的流行歌曲成为一种文化消费品；广州“紫罗兰”轻音乐队为流行音乐演出之先行者。 朱逢博、李谷一等率先使用流行歌曲唱法；朱明瑛、成方圆、沈小岑、程琳、王洁实、谢莉斯、郑绪岚、远征、苏小明、吴国松、任雁等以第一代歌星的面目出现。１９８０年９月２３日，《北京晚报》主办《新星音乐会》，“歌星”遂成专称。 这一时期多轨录音刚刚普及，表演水平也不高。乐队还属小型管弦乐队略加色彩乐器如沙槌、夏威夷吉他的阶段。听众仍主要选择传统的抒情歌曲，流行乐的亚文化特征使它遭到不少批评。然而年轻一代的歌迷已经涌现，并迅速成为控制市场需求的主要社群。
（三）、港台音乐的进一步输入，内地流行音乐市场的形成及流行音乐界人才的聚集
１９８０至１９８４年间，歌曲创作领域仍以传统的抒情歌曲为主。１９８１－１９８２年间，有《在希望的田野上》（晓光词，施光南曲）、《在那桃花盛开的地方》（邹大为、魏宝贵词，铁源由）；１９８３年有《鼓浪屿之波》（张黎、红曙词，钟立民曲）、《牧羊曲》（王立平）、１９８４年有《党啊，亲爱的妈妈》（龚爱书词，马殿银、周右曲）、《十五的月亮》（石祥词，铁源、徐锡宜曲）、《长江之歌》等作品流传。蒋大为、殷秀梅、张暴默等人为很受欢迎的抒情歌手。 另一方面，港台歌曲仍在不断输入。首先是一批台湾校园歌曲。其次是伴随香港电视剧而来的《万里长城永不倒》、《孩子，这是你的家》等。再有是台湾流行乐作家侯德健带来的由苏芮演唱的《搭错车》插曲，尤以《酒干淌卖无》流传甚广。在１９８４年中央电视台的春节晚会上，香港歌星张明敏演唱的《我的中国心》不胫而走，广泛传唱。 至１９８４年间，自港台传入走红的歌曲多以爱国主义题材为主，与内地同类题材相呼应而汇成一体，完整地表达了当时的社会心态。经济改革的不断深入也同时为流行音乐这种商品化的音乐文化提供了发展的契机。流行音乐盒带及录音机的销量急剧上升。流行音乐的个体化听赏逐渐成为主要的消费方式，电视业的迅速发展也提供了覆盖面极广的传播媒介。 此时，流行乐的词曲作者群正在慢慢汇集。广东作者毕晓世、张全复、解承强、李海鹰、徐东蔚等与老一代的邱有为、金发钟、司徒抗等人正在音像界活跃。刘欣茹、张燕妮等广东歌星已将海外歌星的表演形式带到内地舞台上。电声乐队逐渐成形。此时“扒带子”（即根据海外作品的录音记录总谱，再重新灌制录音）既是大量海外电视剧引进的需要，也成为内地作者学习掌握流行乐写作的重要途径。大批年轻歌手相继加入“走穴”，即流行音乐搭班巡回演出的行列。 这是一个积蓄经验和实力的时期，也是群众音乐消费观念及方式发生重大变化的时期。这一时期不可避免地以模仿为主。市场则出现了动荡，一些庸俗低下的表演已经出现，引起了社会各界的广泛关注和批评。
（四）、舆论上的争议和讨论
自从港台音乐进入内地，便引发了一系列的议论。１９８０年，音乐界曾召开过著名的“西山会议”，专门对当时的抒情歌曲问题进行了议论。１９８０年７月２８日《北京晚报》发表了《“抢救”历史》一文，为《何日君再来》辩解，认为需要“还历史的本来面目”。由此引发了一场涉及面颇广的讨论。这场讨论各方立论不一，坚持己见，最后基本上不了了之。 此后，随着流行乐日益广泛地进入社会生活，讨论和批评时而可见，如１９８１年《歌曲》上连载的《漫话港台歌曲》，即是较为系统地体现了基本否定港台流行歌曲的看法。１９８３年底，音乐界又就流行音乐的状况组织了多次讨论。鉴于“流行音乐”名称给人以关于３０年代音乐的联想，理论界中一些倾向于允许流行音乐发展的人在１９８４、１９８５年间提出“通俗音乐”的称谓，以代替“流行音乐”一词。同时，所指称的也扩大到包容传统创作手法而广泛流传的歌曲作品。 总的来看，这一时期的争议或讨论大都仍停留在观念上。争论的焦点是允许不允许流行音乐存在的问题，衡量的标准也多以道德标准为主。在流行音乐日益商品化的现实前，舆论界对其施加的影响日益减弱，至１９８５～１９８６年间，对流行音乐理论上的研讨基本陷于停滞状况。
（五）、流行音乐市场的活跃及内地流行音乐创作活动的兴起
１９８４年始，全国音像业取得了令人吃惊的发展，各地音像公司纷纷成立，不下数百家。由于没有有效的行政及法律管理措施，流行音乐获得了畸形繁荣的契机。流行音乐制品销量猛增，已经占据了音像市场的主导地位。 以新兴的音像产业为核心，创作、编辑、录音、出版、表演人才纷纷聚集，从中产生了日后活跃于流行音乐市场的一代人物。内地较早活跃于音像界的作者如前所述聚集在广东。１９８５年，广州举行了“１９８５红棉杯羊城新歌新风新人大奖赛”，开了流行音乐大奖赛之先声。 在北方，以国际声像艺术公司为基地，聚集有李黎夫、徐沛东、温中甲等作曲家。以中国录音录像出版总社为基地，则有金巍、陈哲、苏越、郭峰等词曲作家。郭峰于１９８５年已创作了《我多想》，成为最早成功的流行音乐作曲家之一。 在北京，同时已有了一批摇滚乐爱好者，其中有崔健、孙国庆、秦奇、丁五、王迪等。１９８４年，崔健与刘元加盟“七合板”乐队演唱摇滚乐，其后又组织了不同的组合从事摇滚乐的演唱。 １９８５年，国际声像艺术公司组织了《南腔北调大汇唱》及《民歌大汇唱》，金巍编写了《４０首民歌大联唱》盒带。流行音乐形式至此已成为具有控制市场实力的音乐文化。 与此同期，朱逢博在上海、李谷一在北京分别组织了轻音乐团，谷建芬则组建了“声乐培训中心”，东方歌舞团也多方罗致流行音乐歌手，这些团体都成为歌手出身之地。 １９８５年，英国“威猛”乐队来华演出；美国著名歌星发起为非洲灾民募捐义演，震动世界；台湾罗大佑等年轻一代词曲作家组织港台６０名歌星举办献给１９８６国际和平年的《明天会更好》音乐会。这些活动均刺激了内地流行音乐界。至此，内地流行音乐已面临从创作到表演上的一个突破契机。
（六）、内地流行音乐的崛起
１９８６年是中国流行音乐发展史上的一个重要年份。经过数年来港台音乐的冲击、输入，内地音像市场初步建成。在此情况下，呼唤内地本身的创作就成为一个客观的需要。１９８４～１９８５年间，音带市场上已出现了港台音带大批滞销的状况。而在广州、北京，一批青年词曲作家已悄然聚集。中年一代如谷建芬、傅林的一些作品也向流行音乐风格靠拢，大批歌手、乐手纷纷涌现，青年歌手常宽于１９８５年１０月参加了东京第１６届世界音乐节，以自己作曲的《奔向爱的怀抱》获得总指挥奖，开中国内地歌手赴海外参赛之先声。凡此种种，都预示着内地流行音乐将发生一个重要转折。 在社会上，商品经济已相当活跃。经济上产生了消费热，文化界则出现了“寻根热”、“文化热”等浪潮。都市文化在大中城市已经成形。这一切构成了内地流行音乐兴起的条件。 在音乐创作上，１９８４～１９８５年走红的作品如《小草》（王祖皆、张卓娅曲）、《妈妈的吻》（谷建芬曲）、《心声》（李春生曲）、《重整河山待后生》（雷蕾、温中甲曲）、《济公活佛》（金复载曲）等作品已经具备了很充分的流行歌曲品格。广州的解承强、毕晓世、张全复也分别写了《祈求》、《父亲》、《秋千》等充分流行音乐化的获奖作品。 １９８６年是世界和平年，受港台《明天会更好》大型演唱会的启发，内地的音乐工作者也开始计划筹办首届百名歌星演唱会。５月，这场题为《让世界充满爱》的大型流行音乐演唱会在北京体育馆出台，获得巨大成功。郭峰作曲，陈哲、小林、王健、郭峰填词的主题曲《让世界充满爱》不胫而走，盛行一时。同一台音乐会上，崔健、王迪、刘元、梁和平等人组成的摇滚乐队首次向听众推出了内地摇滚乐的开山之作《一无所有》、《不是我不明白》。大陆南北的主要歌星均参加了这场音乐会。 《让世界充满爱》音乐会的推出，标志着内地流行音乐创作群的崛起和流行音乐成为社会音乐生活的一个重要组成部分的时期的到来。 同年，中国音乐家协会等单位主办的首届民歌通俗歌曲“孔雀杯”大奖赛于5月在京揭晓。由中央电视台主办的第二届全国青年歌手电视大奖赛也设了通俗唱法，于7月间揭晓。成方圆、刘欣茹、牟炫甫、毛阿敏、许丽丽、苏红、韦唯、王虹等一代歌星脱颖而出。此后，全国性流行音乐大赛即成为歌手与作品获得成功的契机，也成为后几年间流行音乐阶段性发展的重要参考。 到１９８６年，社会音乐生活中通俗音乐已占据一定的优势。当时的通俗音乐这一概念，实际上包括传统的、沿“十五首抒情歌曲”而来的，及青年词曲作家大体上以港台流行音乐为蓝本的歌曲创作两个部分。崔健的摇滚乐还只在小范围内引人注意。从演唱队伍上看，董文华、彭丽媛、阎维文等人的加盟，显示了内地流行音乐在起步之时就已经具备了多元的特性。而“通俗音乐”这个名称实际上也概括了一般听众的上述理解和需求。 自此时起，音带市场开始转向以生产内地作品为主。北京国际声像公司、中国录音录像出版总社、广州太平洋影音公司成为组织创作的基地。当时活跃在流行乐坛上的新秀有郭峰、陈哲、甲丁、李黎夫、雷蕾、温中甲、徐沛东、伍嘉冀、董兴东、张伟进、刘小林、士心、解承强、毕晓世、张全复、何建东、徐东蔚、陈小奇等，中年一代则有王酩、王立平、谷建芬、傅林、孟广征、王积福、张丕基等，一时间可谓人才济济，显现出巨大的创作实力。 此时对通俗音乐的舆论批评减弱了，主张加以引导的意见占了上风。歌星及青年词曲作家的活动和秩事成为新闻热点。然而，理论上的研讨依然薄弱。 另一方面，由于缺乏有效的管理和法治，流行音乐界日后的重大弊端如版权侵犯、私人组台“走穴”等问题已经暴露。 总之，１９８６年间内地流行音乐的倔起既生气勃勃，也有严重的先天不足。创作上一端受港台流行乐的影响，一端有传统民歌风抒情歌曲的拉力；表演上以模仿为主，个性化创造由于缺乏必要的市场机制而难以发展；录音制作水平较低，音像界无法规法律的制约，一开始就处于混战之中。凡此种种，都影响到了其后几年的发展。
（七）、１９８７，多方位的尝试和走向繁荣
１９８６年的倔起极大地刺激了流行音乐发展。 音像公司已意识到组织创作的重要。国际声像艺术公司于１９８７年３月，国际声像艺术公司于在怀柔举办音乐创作沙龙，聚集词曲作家数十人，致力于新作品的交流研讨，该公司位于北京西单大木仓的基地成为不少日后走红作品的诞生之地。 １９８７年，相继有《生命》、《５０亿的我们》、《为残疾人１０年》等大型创作音乐会出台。崔健为参加修复卢沟桥义演推出了《请让我睡个好觉》等新作品。《血染的风采》（陈哲词、苏越曲）经徐良与王虹在春节晚会上演唱而走红。谷建芬创作了《思念》（乔羽词）和《绿叶对根的情意》，解承强完成了《信天游》（刘志文词），李黎夫创作了《心中的太阳》、《离不开你》（李文岐词），雷蕾创作了《少年壮志不言愁》（林汝为词），徐沛东创和了《我热恋的故乡》（广征词），范哲明创作了《祖国赞美诗》（王晓岭词），伍嘉冀创作了《心愿》（任志萍词），苏越创作了《黄土高坡》（陈哲词）。 在歌星中，崔健、王迪、孙国庆、田震因其奔放的演唱风格而获得一部分青年听众的崇拜。韦唯、毛阿敏渐渐取代成方圆、沈小岑等一代歌星的位置。邓丽君的影响一定程度上让位给苏芮，北方歌星的演唱风格逐渐取代了广东刘欣茹、吕念祖等人的优势。 海外歌星方面，继１９８４年张明敏之后，费翔在１９８７年春节晚会上演唱后风靡全国。青少年的青春偶像崇拜现象已成为典型的都市文化，迪斯科舞蹈和音乐大为流行。 １９８７年８月，韦唯参加波兰索彼特第２４届音乐节获第５名。 同年１１月，毛阿敏参加南斯拉夫贝尔格莱德国际音乐节获演唱奖、观众奖第３名。《绿叶对根的情意》获作曲奖第４名。 １９８７年１２月，中国音乐家协会、《人民音乐》编辑部、《中国音乐学》编辑部及河南省《流行歌曲》编辑部在郑州召开“全国通俗音乐研讨会”，歌曲作者、编辑等各方人士１００余人与会。 １９８７年是流行音乐界作多方探索尝试的一年，也是音像界急剧膨胀、走向繁荣的一年。作者们正力图摆脱港台模式，寻找内地的本土意识，歌手也面临确立个性的过渡时期。
（八）、“西北风”的兴起
１９８８年是流行音乐最为兴盛的一年。上半年刮起的“西北风”是１０年来引人注目的一个高峰期。 “西北风”这一称谓来自《黄土高坡》中的词句“不管是东南风还是西北风，都是我的歌”。指的是当时风行全国的北方民歌风的流行歌曲热。其代表性作品有《一无所有》、《信天游》、《黄土高坡》、《我热恋的故乡》、《我心中的太阳》、《少年壮志不言愁》、《中华赞美诗》、《心愿》、《我们是黄河，我们是泰山》，以及电影《红高梁》插曲《妹妹曲》等。所谓“西北风”是因为上述部分作品采用了陕北民间音乐的音调，实际上也包括了一批以北方民间音乐素材为本的作品。 “西北风”还代表了自邓丽君以来的阴柔的演唱风格的转变。喊唱成为一种突出的演唱方法。孙国庆改编的《高楼万丈》不仅充分摇滚化了，而且也是“西北风”的重要曲目。 “西北风”在音乐观念上是对港台流行音乐、南方及中原音调为主的我国音乐创作现状、和前几年流行音乐界“阴盛阳衰”现象的一种逆反。它明显地引入了欧美摇滚思维，挖掘和汲取了我国北方音乐的巨大能量；内容具有批判意识，风格慷慨激昂，带有强烈的宣汇色彩；是刚刚萌生的乡土摇滚与传统民歌的折中。在中国流行音乐发展进程中是个很大的突破。 然而，“西北风”带有很大的过渡性。它本身所代表的观念并不稳定，畸形的繁荣难以持久。 由于“西北风”大量采用了交方音乐素材，形成向城市民歌的回归。另一个倾向是演唱上嘶喊的滥用。早期的喊唱大多是作品内容的需要。后来则成为一种商业化的手段，变为缺乏生命力的做作。１９８８年下半年起，“西北风”就逐渐被俚俗歌曲及港台引进版所取代。
（九）、“囚歌”、引进版与走向低谷
继“西北风”而起的俚俗歌曲风从“囚歌”开始。《囚歌》以一个劳改犯的自述为表现题材，用民间的俚俗小调为音乐包装。音像公司借一个被判刑的电影演员出狱之机将它推出，风格相似的盒带也大量上市，一时掀起热潮。于此前后，一批知青歌曲、盲流歌曲也纷纷制作出版。这些歌曲多表现思念亲人、惆怅、失意和怀旧的情绪。具有浓重的俚俗风格。在音乐上，由于大多出于业余作者之手，表现手法比较单一。作为赶浪潮、抢销售的盒带产品，商业化的粗制滥造又抹掉了这些作品本身所可能具备的特点。 苏芮和齐秦跨海而来，占领的是中学生市场，也得到很多青年的喜爱。其风行的原因除去明星崇拜外，还在于其摆脱了早期港台流行乐的模式，更多吸收了欧美现代摇滚乐的因素，音乐制作更加精细，也更贴切地表达了都市青少年的文化心态，因而如同琼瑶、席慕蓉作品的风行一样，受到了年轻一代的欢迎。 与此同时，崔健与ＡＤＯ乐队的合作日益受到大学生的欢迎。１９８８年２月，他在北京中山音乐堂首次举办个人音乐会。其后又相继去大学校园演出，摇滚乐的影响遂日益扩大。 １９８８年底，臧云飞创作了《葡萄皮》盒带，销量惊人。其音乐属于城市民谣体，表现市民情趣，反映现实生活，其影响波及很大社会层面。 与此同时，一批庸俗低级的盒带借娱乐风上市，或用旧歌填词，或自行编配，曾在一小部分听众中流行。 １９８８年底，流行音乐的发展开始走入低谷。一方面，徐东蔚、郭峰、谷建芬先后举办个人作品音乐会，《人民日报》海外版与国际文化交流中心举办“新时期１０年金曲、１９８８年金星”评选，山西也于年底举办“新时期１０年全国优秀歌曲”评选活动。这一系列活动说明内地流行音乐经过１０年发展已到了一个需要总结的阶段。另一方面，“西北风”之后，创作潮头明显减退，作者群进入了调整时期。最重要的是此时全国流行音乐市场陷入混乱局面。由于著作权法尚未制定，盗版之风盛行，创作积极性受到打击。大起大落的市场背景推出了刘欢、毛阿敏、韦唯、田震、蔡国庆、孙国庆、屠洪纲等一批歌星，但在当时条件下难以施展才华。“明星大走穴”成为全国文艺界的重大问题。金钱至上的错误观念使一部分人的道德水准下降，票房价值普遍低落，盒带积压。内地流行音乐起步时的种种隐患至此暴露无遗。
（十）、１９８９年，创作的寂寞和引进版的泛滥
１９８９年，内地流行音乐创作颇为寂寞。年初，仅有黄奇石作词刘诗召作曲的《爱的奉献》流行。春节晚会上有《山情》（陈洁明词、李海鹰曲）、《故乡是北京》（阎肃词、姚明曲）受到欢迎。谷建芬的《烛光星的妈妈》（李春莉、王健词）、《今天是你的生日》（韩静霉词）获得成功。而最有成就者则推张黎与徐沛东为电视连续剧《篱笆、女人和狗》创作的插曲《篱笆墙的影子》、《苦乐年华》。伍嘉冀和蒋开儒合作了《喊一声北大荒》。 音带出版方面，１９８９年颇不景气，但却可称为“引进版年”。大批台湾歌星的盒带正式引进，形成自邓丽君以来第二次港台歌曲输入的高潮。诸如王杰、童安格、姜育恒、张雨生、千百惠、“小虎队”、“红唇族”乃至谭咏麟、梅艳芳等等港台歌星均广受欢迎。填补了内地流行音乐创作不景气所造成的市场空白。 大型演唱会减少，大型比赛只有文化部在广东举办的全国优秀歌手选拔赛。可注意的活动有： ３月间奥地利“布鲁斯激浪”摇滚乐队来华演出。 ３月，崔健与ＡＤＯ乐队在北京举办“新长征路上的摇滚”音乐会。其后赴英法进行演出。 ７月，广州“新空气”组合解承强、毕晓世、张全复举办“新空气摇滚音乐会”。 ５月至１０月，费翔举行巡回演出。 １０月，谷建芬声乐培训中心承办第二届中国艺术节大型通俗歌曲演唱会。 此外，１９８９年间，“卡拉ＯＫ”这一新的娱乐形式引入，并迅速在北京、广州等大城市发展。由于其声像带多为港台作品，也加剧了港台引进版的风行。 尽管１９８９年整个流行乐坛的创作不甚景气，但许多作者已沉下心来做不同的尝试摸索，作品风格渐趋多样化。歌手中刘欢、毛阿敏、韦唯到了鼎盛期；范琳琳、那英、张强、朱哲琴、谢津等知名度渐高。听众的喜好也逐渐分化而形成不同的欣赏群。整体而论，流行音乐仍处于徘徊不定之中。
欧洲16至18世纪几个著名音乐家
1,巴赫--欧洲近代音乐之父1685年3月21日，欧洲音乐史上的伟人、巴克音乐最杰出的代表，约翰.塞巴斯蒂安.巴赫出生于德国爱森那赫市。虽然这是一个小城镇，可它的市民却酷爱音乐。
据说该市古代的城门上竟刻着“音乐常在我们的市镇中照耀”的字样。巴赫家族是地地道道的音乐世家。对于具有极高音乐天赋的小巴赫来说，在这样的家庭成长原是十分幸运的，然而命运之神却偏要找些麻烦：他9岁丧母，10岁丧父，只得靠大哥继续抚养。
尽管家里存放着大量音乐资料，可专横的兄长就是不允许他翻阅学习，无论他怎样苦苦恳求也无济于事。小巴赫只得趁哥哥离家外出与深夜熟睡之际，在月光不偷偷地把心爱的曲谱一笔一划地抄下来，历时长达半年之久，因而大大损坏了他的视力。他的晚年在双目失明中痛苦地度过，直至去世。
一个年仅10岁且丧失双亲的孩子居然是以这种方式来向自己的家庭索取宝贵的知识，多么可悲而又可敬啊！奇怪的是，如此高尚而执著的追求竟打动不了他的兄长--当他发现了弟弟的秘密时，立却暴跳如雷，不仅无情地没收了小巴赫的全部心血，而且还严厉地惩罚了他，毫无自省与怜悯之心。
巴赫15岁时，终于只身离家，走上了独立生活的道路。他靠美妙的歌喉与出色的古钢琴、小提琴、管风琴的演奏技艺，被吕奈堡米夏埃利斯教堂附设的唱诗班录取，同时进入神学校学习。这里的图书馆藏有丰富的古典音乐作品，巴赫一头钻进去，像块巨大的海绵，全力汲取、融合着欧洲各种流派的艺术成就，开阔了自己的音乐视野。
为了练琴，他常常彻夜不眠，通宵达旦。每逢假日，他都要步行数十里去汉堡聆听名家的演奏。
回顾巴赫的成长道路，我们可以发现，他曾向许多有名的音乐家请教，但却从未得到过一位正式的老师长期的指导。正因如此，他才如同一只辛勤的蜜蜂，到处寻找与吮吸营养，成尽辛劳，在所不惜。后来，当有人问起他的艺术是怎样才达到如此完美的境地时，他简单而严肃地回签：如果谁像我这样下一番苦功，他也会达到同样的境地。
18世纪上半叶的德国处于一种封建贵族割据的分裂状态，一个城堡便有一国诸侯，领土不大的德国居然被瓜分在352个各自独立的小国。大大小小的领主们为了炫耀自己的权势与豪华，一般都设有歌剧团呀宫适乐队。民间艺术家们为求生存，大都沦为宫廷或教会的乐工、奴仆(当时的德国，无论在宫廷还是教堂，都把乐师当作与勤杂工、看门人、厨师等完全相同的奴仆来看待)，巴赫自然也在动难逃。尽管他辗转各地，频繁地更换工作地点，但妈终未能摆脱卑微的仆役地位。
德国大剧作家、政论家莱辛曾经这样讲道：“天才即使不是生在极端贫困的阶层，也是生在生活非常艰苦的阶层里。老天好像臆要在这样的阶层里比其他阶层里出更多的天才似的。确是如此。在巴赫的一生中，贫困与死亡像一对可怕的魔影紧紧相随。他不仅从未享有富裕舒适的生活，而且从9岁起就因父母相继去世而开始感受到死的阴郁，长大成人作父亲后，又眼睁睁地将自已孩子中的11个送进坟墓(他先后两次结婚，共生有20个孩子)。
巴赫晚年为医治眼睛曾两次作了手术，结果不仅未能重见光明，反而摧垮了身体，终于在1750年7月28日离开了人间。
2, 海顿Franz Joseph Haydn [1732.3.31-1809.5.31] 奥地利作曲家。生于乡村，6岁起接受音乐启蒙教育。8岁成为教堂唱诗班歌童，并学习文化、音乐知识。1758-1766年任伯爵宫廷乐长。此时创作了大量的音乐作品。1791、1794两次赴英国，指挥管弦乐队并创作乐曲。在伦敦获牛津大学名誉音乐博士。
海顿是维也纳古典乐派的代表人物之一。他的作品广博浩瀚，遍及声乐、器乐的各个领域。早期作品处于从巴洛克向古典风格的转换，此后大量的音乐实践，逐步形成了近代交响曲和四重奏曲的曲式、以弦乐四声部为基础的双管制管弦乐队体制。90年代后，他的创作达到了炉火纯青的境地。音乐结构严谨、节奏富于活力，具有典型的古典乐派的风格特征。
海顿个人性格纯扑开朗、亲切幽默、生活气息浓郁。其主要作品有：交响曲108首，钢琴协奏曲、小提琴协奏曲2首、大提琴协奏曲2首、圆号协奏曲、带管轮擦提琴协奏曲5首、管风琴协奏曲8首、弦乐四重奏82首、钢琴三重奏30首、嬉游曲125首、弦乐三重奏56首、键盘乐奏鸣曲52首、变奏曲5首、歌剧20部、清唱剧6部、康塔塔8首、弥撒曲14首，还有大量的合唱曲、歌曲及歌曲改变曲等。
3,乐圣:贝多芬（1770—1827）出生于波恩，自幼学习弹琴，1787年曾到维也纳向海顿学习作曲，并结识莫扎特。贝多芬生活在法国大革命、拿破仑战争和维也纳体系的时代，欧洲的民主和民族意识此时正日益兴起。他的作品正反映了这些时代的特征，或歌颂英雄，或反对封建，争取民主自由和美好未来。其主要作品有《悲怆》奏鸣曲、《月光》奏鸣曲、《命运交响曲》（即第五交响曲）、《合唱交响曲》（即第九交响曲）等。贝多芬的晚年十分凄凉，在贫病交加中死去。但是，人民忘不了他，1827年3月29日，贝多芬的葬礼举行时，有二千多人参加护灵。贝多芬对音乐的最重要贡献是交响曲，因此他被誉为“交响乐之王”。
4,“音乐神童”莫扎特
1756年1月27日，沃尔夫冈.阿马德乌斯.莫扎特出生于奥地利的萨尔斯堡一个宫廷乐师之粗。他的父亲列奥波尔德.莫扎特(Leopold Mozart)原籍德国，曾先后生有7个孩子，不过，其中5个都过早地夭折，顽强地活下来并长在成人的只有最小的儿子沃尔夫冈和他的姐姐安娜。
列奥波尔德是一位颇受人们尊敬的小提琴家、作曲家，小莫扎特非凡的音乐天赋很早就已引起他的欣喜与关注。有一次，他与一位朋友一起回到自己家中，看到4岁的儿子正聚精会神地趴在五线谱纸上写东西。父亲问他在干什么？儿子一本正经地回答：“我在作曲。”孩子的举止使两位大人相觑见笑，面对着纸上歪七扭八的音符，他们以为这不过是小孩的胡闹。然而，当细心的父亲将儿子的作品认真地看了几眼之后，忽然兴奋地眼噙泪花对客人喊道：“亲爱的，你快来看！这上面写的是多么正确而有意义啊！”天才已经开始了他的创造生涯！
在欧洲音乐史的源远长河中，自幼便显示出音乐才干者并不罕见。可像莫扎特那样早熟的奇才，能在那样小的年龄便被公认为“神童”的音乐家，确是再难找寻。他3岁就能在钢琴上弹奏许多他所听到过的乐曲片断，5岁就能准确无误地辨明任何乐器上奏出的单音、双音、和弦的音名，甚至可以轻易地说出杯子、铃铛等器皿碰撞时所发出的音高......。如此过硬的绝对音准观念是绝大多数职业乐师一辈子都达不到的。
从1762年起，在父亲的带领下，6岁的莫扎特和10岁的姐姐安娜开始了漫游整个欧洲大陆的旅行演出。他们到过慕尼黑、法兰克福、波恩、维也纳、巴黎、伦敦、米兰、波隆那、佛罗伦萨、那不勒斯、罗马、阿姆斯特丹等等许多地方，所到之处无不引起巨大的轰动！在奥地利国都维也纳，他们被皇帝请进王宫进行表演。
1772年，16岁的莫扎特终于结束了长达10年之久的漫游生活，回到自己的家乡萨尔斯堡，在大主教的宫廷乐队里担任首席乐师。尽管莫扎特乃旷世奇才，尽管他享有极大的荣誉，可在大主教眼中，他不过是一个普通的奴仆，并且是一个很糟糕的奴仆。因为他拥有荣誉。莫扎特不得不像他的前辈海顿那样，每天在前厅穿堂里，恭候主人的吩咐，随时都有可能遭到大主教的斥责辱骂，甚至严厉的惩罚。然而，莫扎特毕竟不是海顿，他具有更强的自尊心和独立不羁的果敢精神。为摆脱大主教的侮辱与控制，他于1777年再次外出旅行演出，期望能找到一个落脚之处，永远离开萨尔斯堡。
1781年6月，莫扎特终于在忍无可忍当中与大主教公开决裂。他毅然辞职离去，成为欧洲历史上第一位公开摆脱宫廷束缚的音乐家。在当时的社会条件下，这种举动无疑极其大胆而英勇。因为，这意味着艰辛、饥饿甚至死亡。
列奥波尔德力劝他的儿子向大主教赔礼道歉，重归于好，莫扎特坚决拒绝。他在给父亲的回信中写道：我不能再忍受这些了。心灵使人高尚起来。我不是公爵，但可能比很多继承来的公爵要正直得多。我准备牺牲我的幸福、我的健康以至我的生命。我的人格，对于我，对于你，都应该是最珍贵的！
冲出牢笼的莫扎特定居在“音乐之都”的维也纳，开始了一个自由艺术家的生涯。当时他年仅25岁，可离生命的终点却只有10年了。
莫扎特写作之轻松与神速使他的同时代人和后辈都把他看作是无师自通、不学而成的天才，纵观他的一生，除了孩提时期受到父亲的严格教诲外，的确从未得到过正式的教师指导。天才是不容否认的，但人们往往因此而忽略了天才也离不开刻苦与勤奋。1787年10月的一天，莫扎特与歌剧《唐.璜》的乐队指挥库查尔兹一起散步时说：“以为我的艺术得来全不费功夫的人是错误的。我确切地告诉你，亲爱的朋友，没有人会像我一样花这么多时间和思考来从事作曲；没有一位名家的作品我不是辛勤地研究了许多次。”
在莫扎特身上，处处都体现出典型的艺术家天性。他是一个热爱生活、充满诗意、富于感情的人。他认为穷人最讲信义，“世界上只有穷人才是最好、最真实的朋友，有钱人完全不什么叫友谊”。他天真、单纯，总是兴高采烈。他易受感动，爱掉眼泪，具有女性般的柔情。他童心不泯，像孩子一样充满了好奇，似乎永远长不大。
莫扎特挚爱自己的亲人，每当他谈起父母、妻子时，脸上都不由闪现出幸福的光彩，语调也格外恬美。在神圣的婚礼仪式上，他和妻子双双落下激动的热沔。大家深受感染，都跟着一起哭了。由于他没有固定的收入，妻子康斯坦采又不善持家理财，因而婚后的生活非常穷困。为了维持日常的基本需要，莫扎特拼命工作--教课、演出、创作，应接不暇，永无休止。尽管如此，日子还是过得相当窘迫。有一年冬天的一人傍晚，朋友们到他家做客，从窗外看到夫妻俩在屋里愉快的地翩翩起舞，纷纷赞叹不已。待到进屋后才弄明白，他们因无钱买煤，不得不利用跳舞来取明，以此熬过寒冷的冬季。
莫扎特晚年的生活每况愈下，身体也越来越糟，他不得不经常向朋友们求援。当他最后一部杰出的歌剧《魔笛》(The Magic Flute)首场公演时(1791年9月30日)，他已痼疾缠身。
有一天，一位神情冰冷、身着黑衣的陌生人前来拜，他请大师为他写一首《安魂曲》。陌生人走后，身心交瘁的莫扎特含着眼泪对妻子说，这部作将为他自己而写。“他带着一种狂热的拼死劲儿开始写最后一部作品--《安魂曲》，......草扎特处于过度劳累的状态中，他摆脱不了这部‘为死亡而作的弥撒曲’是为他自己而作的这样一种念头，他认为自己不能活着完成它了，他鞭策自己来写这部充满死亡景象的杰作，开始了与时间进行的悲剧性竞赛。”一个永远的愦憾是，这场竞赛的胜利者是死神，《安魂曲》写到一半时，莫扎特再也握不住手中的笔......，这部传世之作的最终完成者，是他的得意门生修斯梅尔。
《魔笛》上演后所获得的巨大成功为濒临崩溃的莫扎特带来难以形容的最后的欣慰。1791年12月4日深夜，他躺在冷冷清清的病榻上，喃喃自语地想象着《魔笛》的演邮：第I幕现在结束了......现在开始夜后的咏叹调.......凌晨1点，他悄悄地阖上了双目。此，豪华的威登歌剧院灯火辉煌，舒适的包厢座无虚席，维也纳各界人士济济一堂，正在津津有味地欣赏着大师的新作《魔笛》。
出殡那天，狂风呼啸，大雪纷飞。恶劣的气候迫使几位送葬的亲友都中途返回，只剩下一个掘墓老人赶着灵车踽踽独行......。这是一个埋葬罪犯、流浪汉与贫民的坟场，下葬的墓穴里已有两口他人的棺材。康斯坦采当时重病卧床，没能到场。当她数日后前往坟地时，已无法找到准确的墓址。人类文明史上的一代奇才就这样无影无踪地消失了，身后留下尚未还清的1682弗罗林的债务。
莫扎特的音乐典雅秀丽，如同珍珠一样玲珑剔透，又似阳光一般热情温暖，洋溢着青春的生命力。由于他的音乐语言平易近人，作品结构清晰严谨，“因而使乐思的最复杂的创作也看不出斧凿的痕迹。这种容易使人误解的简朴是真正隐藏了艺术的艺术”。
中外历史上著名的音乐家
乐之父—— 巴赫 ( 德 国 )音乐神童—— 莫扎特 ( 德 国 )
古今乐圣——贝多芬 ( 德 国 )
歌曲之王——舒伯特 ( 德 国 )
音乐神灵——韩德尔 ( 德 国 )
指挥之王——卡拉杨 ( 德 国 )
歌剧之王—— 威尔弟 ( 意大利 )
音乐之王——斯卡拉蒂 ( 意大利 )
小提琴之王——帕格尼尼 ( 意大利 )
进行曲之王——苏萨 ( 美 国 )
流行歌曲之王——福斯特 ( 英 国 )
园舞曲之父一一老约翰·施特劳斯 ( 奥地利 )
圆舞曲之王——小约翰·施特劳斯 ( 奥地利 )
交响曲之王——海顿 ( 奥地利 )
交响乐诗人——柏辽兹 ( 法 国 )
印象派大师——德彪西 ( 法 国 )
轻歌剧之王——奥芬巴赫 ( 法 国 )
管弦乐色彩大师——拉威尔 ( 法 国 )
钢琴诗人——肖邦 ( 波 兰 )
钢琴之王——李斯特 ( 匈牙利 )
舞剧音乐大师——柴科夫斯基 ( 俄 国 )
中国音乐家
伯牙：春秋时代的琴师。《荀子·劝学》有“伯牙鼓琴，而六马仰秣”之说，
可见他的琴艺之高超。相传代表作品有《水仙操》、《高山流水》。
师旷：春秋时期晋国的乐师。双目失明，但他的听觉敏锐，辨别音律十分准确
。他的代表作品有《白雪》、《玄默》。
李延年：汉代宫廷音乐家。曾担任乐府的协律都尉。他的代表作品有根据张骞
从西域带回的《摩柯兜勒》，制作了28首新曲调，作为仪仗使用的军乐。
嵇康：三国时期魏末琴家、文学家、思想家。他学识渊博，善写诗赋文论，热
爱音乐，擅长弹琴，以弹奏《广陵散》著称。他的代表作品有《声无哀乐论》和《
琴赋》，对音乐和琴的奏法及表现力，作了细致而生动的描写。
苏低婆：南北朝时宫廷音乐家。她善弹胡琵琶，家传龟兹乐调“五旦七声”宫
调体系。其音乐理论，有力地促进了我国古代宫调体系的建立和发展。
万宝常：隋代音乐家，善弹多种乐器。他的代表作品有《乐谱》。
李隆基：唐代音乐家，他也是我国古代第一位皇帝音乐家。他擅长演奏羯鼓和
横笛，创作改编了《夜半乐》、《小破阵乐》、《霓裳羽衣曲》等。建立了唐代音
乐机构教坊、梨园。
李龟年：唐代乐师，他演奏的吹管乐器筚篥技艺高超，很多诗人都听过他的演
奏，并且写下了许多脍炙人口的诗句。
姜夔：宋代音乐家、词人，别号白石道人，世称姜白石。代表作品有《扬州慢
》、《凄凉犯》、《白石道人歌曲》等。
朱载育：明代乐律学家。著有《乐律全书》、《律吕正论》、《律吕质疑辨惑
》等书。《乐律全书》总结了前人的乐律理论，并加以发展，首创了“新法密率”的理论
外加
冼星海
李德伦
吴祖强
吕远
施光南 [b]欢迎补充 :smile: [b]管捉類。。。 .......真恐怖. 我后悔没早早看到这个 [b]所以我不学音乐了. :sweat: 挖```
好长啊！不愧是精华！！！~```````:ft: `````顶`````````
就算我们蒋老师看到了也会顶的````
帮所有音乐生顶下``找这些花了不少工夫吧```辛苦了````
其实考试的时候用不了多少````` 背几段出去PIANPIAN也XIE牛 给介绍一下电乐啊。
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05305180278（办公室）
黄河艺术学校
2008年9月16日
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